内容的学术性，是所表达的思想、主题，是否契合这个时代艺术表达的需要？是否在美术史上有内容的价值?(美术史是否需要的内容?），在今天同时代其它艺术家有表达过吗？

所以，有学术性的内容需要具备两个要素：一个是时代需要的，另一个是同时代的人想表达，但表达不出来或者表达得不好。比如鲁迅先生写文章批判封建腐朽思想，首先是时代需要。其次，在当时没有人比鲁迅写得更犀利、更透彻心骨。所以鲁迅的作品比其他人写的同主题的文章更有学术性，这其实不能叫创新，而是对这个主题的理解更深刻、更高明。艺术也是如此，你表达了一个时代声音的同时，还比其他人表达了更深刻、更高明的内容，就是艺术的学术性。

同样的主题，不同的思想境界，学术性也不一样。同样是花鸟画，在明末清初时，仅是文人雅士用来表达花前月下，就不具备当时的学术性。而八大山人的昏鸟、呆鸟、死鸟，就有学术性，因为他表达的是对当时政局、对社会的一种批判，具有时代思想性。 

因此，内容主题的学术性，也有高低之分，表达的思想越深刻、站得层面越高，学术性也越高；对同样一个主题，挖掘得越深、分析维度越全面，表达越精准，学术性就越高。

形式的学术性，主要是形式的创新性，这个创新性，要从纵向和横向两个维度来看。

首先，在时间的纵向上，这种形式前无古人。比如花鸟画最成熟的是宋朝，明朝又出现徐文长、唐伯虎，到明末清初的八大山人，再到民国时期吴昌硕、齐白石，都是在他们各自所处的时代，做到了形式上的创新，作品就具有学术性。

边平山作品-崖柏与白鹭

技法的学术性，就是技术上能达到别人都达不到的难度，技法越难学术性就越高。这个技法一定是艺术所需要的，不是没有意义的。在这个前提下，做到更高水平的技法，就具有学术性。

首先，表达同样的主题，用同样的形式，运用的元素越少，表现越难，技法的学术性也就更强。比如毕加索能几笔就把一只鸟画出来，并且画得很好，他的技法就很强，就具有技法的学术性。技法还包括很多具体的方面，比如点、线、面的运用，同一根线、同一个点、同一个面的表达，谁更成熟，谁更老练，谁的技法就更强；还有构图问题、层次问题，中国画的笔墨功夫，西方画的用色、用笔，这些都属于技法的问题。这些技法的创新或者高人一等就是学术性。

毕加索-鸟圆盘

技法达到了更高的水平，往往就会形成一种新的形式，所以形式和技法是相辅相成的。当技法很强的时候，就代表了形式的创新，这就在技法和形式上都是有学术性的。

比如吴冠中，虽然用的不是中国传统的笔墨功夫，但是他在点线面的运用上，高于一般人的运用方式，他借鉴西方的点、线、面，而用东方的韵味去表达，最终呈现出来的形式就变了。这就看出，技法的创新性，达到一定学术的高度，形式就改变了。但形式改变了，内容思想不一定会改变。

结论：

一般的艺术家往往一辈子都在技法和形式上追求创新，却在思想层面、内容层面上思考的比较少。不像文学家、哲学家，思考的会比较多。这也是很多艺术家容易进入的一个误区，认为艺术的“术”更重要，就是技法和形式更重要，其实真正要成为一个艺术大家，一定是思想层面先达到很高境界的。

以上是从艺术作品的三个核心要素，内容、形式、技法来探讨学术价值，这三个维度的学术性清楚了，一件艺术品的学术性就理解了。但任何一件艺术品，我们都要结合艺术家创作的背景来看，因此我们还有必要结合艺术家的成长历程来分析学术价值。

艺术家的成长过程，是一个发展变化的过程，随着艺术家在不同成长阶段，达到的高度不同，对学术的理解会不同，对自己学术的要求也是不同的。接下来，我们以国画为例，从艺术家的成长轨迹来看，学术价值的形成发展过程。

第一阶段：书法阶段

国画艺术家通常是从练书法开始，书法练的是什么？练的就是笔墨功夫。所以国画讲究的童子功，就是书法的基本功。有一些写书法的人，把画画当做爱好还能画得非常好。比如启功，他是写书法的，但是国画画得也非常好，甚至有人认为他的画比他的书法还要好，就是因为他有很深的笔墨功底。

第二阶段：临摹阶段

书法练到一定程度，就开始学画画。学中国画，理论上都是从临摹古画开始。所以这个阶段临摹的作品水准越高，他学习国画的起点会更高、学得速度会更快。

前面这两个阶段，书法只是基本功，临摹只是模仿，所以这两个阶段都没有学术性。

第三阶段：改临摹阶段

临摹到一定程度，就开始改临摹。最初的临摹，是原封不动的临摹，但临摹到一定程度就想把它改了，改的过程就会将自己的主观意识加进去。比如不再完全按照古画原画描下来，而是加了自己的想法，进行一些修改，加了一些个性的元素，可能在结构上、元素上、色彩上进行了一些修改，这个时候就会认为自己有学术性了。

第四阶段：写生阶段

当在改临摹的过程中，发现只是改还是没有达到心里想要的东西，这时就意识到想突破自己，光靠改临摹是不够的，因为改也是没有目标的，于是就会进入第四个阶段，写生阶段。写生的过程中，要把临摹的作品丢掉，直接把写生的素材，比如从大自然取景的素材，形成一张画，这时候，他会认为自己有学术性了，这就是在写生这个阶段所理解的学术性。

第五阶段：原创阶段

当写生到一定的时候，就会发现到一个瓶颈了，只是照搬自然，画不出特点来，就开始进入原创的阶段。这个时候他又会把古画再翻出来，与写生的东西结合起来，或者把两个都抛开，进行重组原创，形成原创作品。这个时候会认为，相对于原来的作品有原创性，所以更有学术性。

第六阶段：风格形成阶段

有了原创性以后，如果不知道创作什么，就会又到一个瓶颈。因为绘画不只是为了表达花鸟，也不只是为了表达山水，或者人物，而是要表达一种自己风格，形成自己的花鸟，自己的山水，自己的人物，形成个人风格。所以，这个阶段，因为有了个人独特的风格，作品比之前几个阶段又多了学术性。

第七阶段：开创阶段

当艺术家形成自己风格之后，往往会发现，横向来看与他同类型的艺术家也都在形成自己的风格，但是把这些风格放在一起来看，又没有太大区别。

这个区别不大的原因，就是大家的思维模式其实很相似，教育体系、临摹的对象、知识结构都是相似的。这种情况，横向在同领域找不到自己独一无二的东西，就要纵向去找，从过去、现在和未来的绘画发展历史去找，最终找到并形成自己的独一无二的时候，就更有学术性了。

这是当横向上在一个领域达到一定高之后，再通过纵向去寻找突破进行创新。反之，如果在纵向上达到了一个高度，独一无二的时候，还要横向去比较，在这个领域，包括国内国外，有没有同样的表现方式？有，就要去超越，没有，就要去保持自己的风格。这个时候就做到了更高层面的学术性。

当做到这一步，其实就开辟了全新的一个领域，是一个领域的开创者，就是大师级的人物。比如张大千、齐白石，无论从横向还是纵向，都有他们自己独一无二的东西。到了这个阶段，如果还不满足于此，那就不只是从艺术的纵向和横向去看，还要从人类文化的纵向和横向去看，比如说，除了绘画，还要去看建筑、电影、音乐、舞蹈等等更多的文化形式，站在文化甚至人类文明的高度，进行创新，这就是更高层面的学术性。

结论：

综上，学术价值并不是一个绝对的概念，而是一个相对的概念，处在不同阶段，站在不同的高度，对学术的理解和要求也是不同的。作为收藏爱好者，应从不同维度，结合艺术家的成长轨迹去看他的学术价值。

      眼下我们看到的市场价格很高的作品，往往是通过宣传的方式，拉到了一个高价的级别，不能代表学术价值也高。市场的宣传会渐渐淡去，但学术价值会随着时间，越来越被真正认可。所以一件学术价值很高的作品，未来的市场价值一定会越来越高。这就是市场价值不一定等于学术价值，但学术价值迟早会成为市场价值。

来自(海度艺术)